John William Waterhouse - malíř nebezpečí, která přináší láska a krása. Pokračování.
Výraz Dolce far Niente byl názvem řady obrazů známých umělců osmnáctého století.
Italské slovní spojení doslova znamená "sladké nicnedělání nebo sladká zahálka".
V podstatě znamenalo nicnedělání a užívání si.
John William Godward byl anglický malíř, který se narodil v roce 1861 a žil na konci éry neoklasicismu.
Byl chráněncem sira Lawrence Alma-Tademy, ale jeho styl malby bohužel upadl v nemilost s nezadržitelným postupem moderního umění.
Zarmoucen touto neúprosnou životní skutečností spáchal ve věku 61 let sebevraždu a údajně napsal dopis na rozloučenou, v němž uvedl, že svět není dost velký pro [mě] i pro Picassa.
II Dolce ar Niente William Holman Hunt (1866)
Dalším malířem, který měl v názvu svého díla Dolce far Niente, byl William Holman Hunt se svým obrazem z roku 1867, který byl vystaven na letní výstavě Královské akademie v tomto roce.
Pro toto dílo seděla Huntovi jeho přítelkyně a milenka, profesionální modelka Annie Millerová, ale kvůli rozchodu s umělcem v polovině malby musel Hunt požádat o pomoc Fanny Waughovou, dceru lékárníka, s níž se později oženil.
Dolce Far niente Auguste Toulmouche (1877)
Než se podíváme na dva Waterhousovy obrazy, které mají stejný název, ukážu vám ještě jeden.
Auguste Toulmouche byl malíř devatenáctého století proslulý svými luxusními portréty pařížských žen a svůj obraz Dolce far niente dokončil v roce 1877.
Dolce Far Niente John William Waterhouse (1879)
Jeho první dílo bylo dokončeno v roce 1879 a je na něm zobrazena smyslná a rafinovaně oblečená žena, která leží na koberci s hlavou na zeleném sametovém polštáři, zatímco bílé peří se třepotá a vyniká na pozadí bledší bílé barvy stěny.
Waterhouseovi se obraz líbil, a když byl toho roku vystaven v Dudley Gallery, vypsal na něj cenu 80 guineí, což byl trojnásobek toho, co obvykle za svá díla v této galerii požadoval.
Waterhousova volba názvu obrazu naznačuje, že se chtěl připojit k odlehčeným italským námětům několika svých současníků, kteří si pro svá díla vybrali prostředí ostrova Capri.
Již za několik let Waterhousova pověst zastíní právě tyto malíře.
Když byl obraz opět vystaven, mnozí komentovali podobnost zobrazení a prostředí s díly Alma-Tademy, který byl o třináct let starší než Waterhouse a stále známější.
Vpravo nahoře můžeme vidět světlo v pompejském stylu.
Na podlaze stojí tmavomodrá skleněná váza, z níž vyrůstá slunečnice.
Dolce Far Niente John William Waterhouse (1880)
Následujícího roku 1880 dokončil Waterhouse další dílo se stejným názvem, Dolce Far Niente.
Toto mnohem větší dílo (50 x 96 cm) je uloženo v Kirkcaldy Museum and Art Gallery ve Skotsku.
Obraz zobrazuje každodenní život v antickém světě a je velmi podobný stylu Alma-Tademy, který často používal kompozici odvozenou od antických vázových maleb, které představovaly pitky a často zobrazovaly ženy ležící na pohovkách a před nimi malé stolky s vázami s květinami, soškami nebo nádobami na pití.
Na tomto Waterhousově díle vidíme zářivě žluté narcisy a malý džbánek ležící na mramorovém a bronzovém stolku podobném tomu, který byl nalezen v Pompejích a který by Waterhouse viděl při návštěvě muzea v Neapoli v roce 1877.
Scéna v Pompejích od Johna Williama Waterhouse (1877)
Za pohovkou se nachází řada kolonád s výrazným červeným a bílým zbarvením, jejichž příklady byly součástí interiérů nalezených v Pompejích.
Když se Waterhouse v roce 1877 vrátil do svého rodiště, Itálie, bylo to poprvé, co tuto zemi navštívil od roku 1854, kdy mu bylo pět let a jeho rodina ji opustila.
V roce 1860 zavedl italský archeolog Giuseppe Fiorelli nové techniky vykopávek, které se soustředily na odklízení suti z ruin Pompejí a obnovu architektonických prostor města.
Waterhouse viděl plody práce archeologa, když místo navštívil a dokončil řadu akvarelových maleb vyčištěných ploch.
Na jeho akvarelu s názvem Scéna v Pompejích opět vidíme červenobílé kolonády, které byly přítomny na jeho obraze Dolce Far Niente.
V předchozím díle jsem se zabýval Waterhousovým obrazem Dáma ze Shallottu a hovořil jsem o tom, jak souvisí se stejnojmennou básní Alfreda Lorda Tennysona.
Můj další Waterhousův obraz je také spojen s Tennysonovou básní, jeho ódou Mariana z roku 1830.
Básník se inspiroval postavou Mariany v Shakespearově hře Measure for Measure, která byla poprvé uvedena v roce 1604.
Mariana, kterou odmítl její snoubenec Angelo poté, co se její věno ztratilo při ztroskotání lodi, vede pět let izolovaný život na hradišti.
Její pocity osamělosti a stesku se vymykají kontrole.
Její uvěznění je metaforou nenaplněné sexuální touhy.
Navzdory své osamělosti však stále miluje Angela, který se stal zástupcem vídeňského vévody, a touží se s ním znovu setkat.
Báseň sleduje společné téma většiny Tennysonových děl - téma beznadějné izolace.
Mariana je žena, která donekonečna naříká nad svým nedostatkem spojení se společností.
Tato izolace určuje její existenci a její touha po vztahu s lidmi ji přivádí do zoufalství a nechává ji toužit po smrti, která je v básni uvedena na konci každé strofy.
Jediný jemný rozdíl mezi Shakespearovým příběhem a příběhem obsaženým v Tennysonově básni spočívá v tom, že u Shakespeara se k Marianě vrací její milenec, zatímco Tennysonovo dílo končí dříve, než se Marianin milenec vrátí.
Zobrazení, které máme před sebou, vychází ze strofy básně:
V nejčernějším mechu květinové záhony
byly hustě porostlé, jeden i druhý:
Zrezivělé hřebíky vypadly z uzlíků,
které držely hrušku u štítové zdi.
Rozbité kůlny vypadaly smutně a podivně:
Na osamělém hradním palouku.
Znečištěné a opotřebované starodávné střešní plátno.
Řekla jen: "Můj život je strašný,
On nepřijde," řekla;
"Mám strach, strach,
kéž bych byla mrtvá!"
Její slzy padaly s rosou za večera;
Její slzy padaly, než rosa uschla;
Nemohla se podívat na sladké nebe,
ani za jitra, ani za večera.
Když netopýři letěli,
když nejhustší tma oblohu zahalila,
zatáhla záclonu za oknem,
a pohlédla na šeré pláně.
Řekla jen: "Noc je strašná,
On nepřijde," řekla;
"Bojím se, bojím,
kéž bych byla mrtvá!"
Uprostřed noci,
Probudila se a uslyšela, jak noční ptáci kokrhají:
a kohout hodinu před rozedněním zpíval
Z temného hvozdu k ní doléhal tichý volský zpěv.
Bez naděje na změnu,
ve spánku jako by kráčela opuštěná,
dokud chladné větry neprobudily šedivé ráno
kolem osamělého hrádku.
Řekla jen: "Den je chmurný,
On nepřijde," řekla;
"Bojím se, bojím se,
kéž bych byla mrtvá!"
Kolem kamene odlitého ze zdi
spala sluj se zčeřenými vodami,
A po ní se plížily mnohé, kulaté i malé,
shluky bahenních mechů.
Těžko vedle se třásl topol,
celý stříbřitě zelený, se žíhanou kůrou:
Neboť žádný jiný strom neoznačoval
tu rovnou pustinu, tu kulatou šeď.
Jen řekla: "Můj život je strašný,
On nepřijde," řekla;
"Mám strach, strach
Kéž bych byla mrtvá!"
A vždycky, když měsíc byl nízko,
a vichry se zvedaly a vzdalovaly,
v bílé zácloně, sem a tam,
viděla, jak se kymácí prudký stín.
Ale když byl měsíc velmi nízko
a divoké větry vázaly se v cele,
stín topolu padl
na její lůžko, přes její čelo.
Řekla jen: "Noc je strašná,
On nepřijde," řekla;
"Bojím se, bojím se,
kéž bych byla mrtvá!"
Celý den v zasněném domě
dveře na pantech vrzaly;
modrá moucha v okně zpívala; myš
za plesnivým obložením vřískala,
nebo ze skuliny pokukovala.
Staré tváře se mihly ve dveřích.
Staré kroky klusaly po horních patrech.
Staré hlasy ji volaly zvenčí.
Řekla jen: "Můj život je strašný,
On nepřijde," řekla;
"Mám strach, strach,
kéž bych byla mrtvá!"
Vrabčí cvrlikání na střeše,
pomalé tikání hodin a zvuk,
který vítr, jenž se dvoří,
topol vydával, to vše zmátlo
její smysly; ale nejvíc se jí hnusila hodina,
kdy sluneční paprsek s hustými kořeny ležel
před komnatami a den
se skláněl k jeho západnímu altánu.
Pak řekla: "Je mi velmi teskno,
On nepřijde," řekla;
Plakala: "Je mi úzko, úzko,
Ó Bože, kéž bych byla mrtvá!"
Mariana na jihu John William Waterhouse (1897)
Podívejte se, jak Waterhouse namaloval šikmý odraz oválného zrcadla.
Podlaha, kterou namaloval, je tvořena černými a bílými dlaždicemi, které se táhnou směrem ke dveřím a dodávají pocit prázdnoty a podtrhují Marianinu samotu.
Za zrcadlem, v levé horní části obrazu, můžeme rozeznat jen oltář Madony, u kterého se Mariana modlí.
Tennyson a Waterhouse se určitým způsobem snaží propojit vnucenou čistotu Mariany s čistotou Panny Marie.
Mariana John Everett Millais (1851)
Stejně jako v případě Paní ze Shalottu byl Waterhouse pravděpodobně ovlivněn jiným slavným obrazem Johna Everetta Millaise, a to jeho obrazem Mariana z roku 1851, který se objevil na výstavě Královské akademie.
Waterhouse toto dílo pravděpodobně viděl, když bylo vystaveno na výstavě v Grosvenor Gallery v roce 1886 a později na výstavě v Birminghamu.
Millais zobrazil Marianu, která osaměle žije na odlehlém statku a čeká na návrat svého milence.
Stojí před stolem, na němž je její výšivka zobrazující venkovní zahradu, a za ní je vitráž se Zvěstováním, kterou okopíroval z okna kaple Merton College v Oxfordu.
V malém vitrážovém bočním okně napravo od stolu je motto In coelo quies, což znamená V nebi je klid, a to nese poslední řádek každé z Tennysonových strof, které odkazují na Marianinu touhu být mrtvá.
Je podzim a kolem jsou roztroušeny spadané listy symbolizující plynutí času.
Mariana je na tomto obraze vidět, jak si po hodinách sezení a práce na výšivce protahuje záda.
Sbírejte poupata růží, dokud můžete John William Waterhouse (1909)
Waterhouse dokončil na počátku 20. století dvě díla na motivy veršů básně anglického básníka a duchovního ze 17. století Roberta Herricka z roku 1684.
Báseň se jmenovala To the Virgins, to Make Much of Time (Pannám, aby si užily času) a první verš je názvem dvou Waterhousových obrazů.
Sbírejte poupata růží, dokud můžete,
Starý čas stále letí;
A tentýž květ, který se dnes usmívá,
zítra bude umírat.
Slavná nebeská lampa, slunce,
Čím výš stoupá,
tím dřív svůj závod uběhne,
a blíž je k západu.
Nejlepší je ten věk, který je první,
když mládí a krev hřeje;
ale když je vyčerpán, horší a nejhorší
časy stále následují po těch prvních.
Nebuďte tedy ostýchaví, ale využijte svůj čas,
a dokud můžete, vdejte se;
neboť když jste jednou ztratili svůj nejlepší věk,
můžete navždy zůstat samy.
Báseň je v žánru carpe diem, což znamená "chop se dne" nebo "užívej si, dokud máš příležitost".
Dějištěm tohoto díla z roku 1909 je teplý slunečný jarní den na venkově a pole plné polních květin, které protéká malý potok.
V popředí se dvě ženy ladně sklánějí, aby natrhaly květiny.
Jedna z nich je oblečena do modrofialových šatů, zatímco druhá, se zářivě rudými vlasy podobnými těm, které můžeme vidět v mnoha prerafaelitských dílech, je celá oblečena do růžové.
V pozadí se nachází vzdálené pohoří vyobrazené v různých modrých tónech.
Ve středním plánu je les a vidíme další dvě ženy, které stojí mezi stromy a rovněž sbírají květiny.
Jedná se o první z řady Waterhousových děl motivovaných příběhem o řecké bohyni Persefoně, v němž je ctnostná mladá žena, která byla na louce a sbírala květiny na planině Enna, unesena Plutem.
Její matka, bohyně úrody Démétér, je tímto zvratem událostí tak rozrušena a rozzlobena, že prokleje svět dlouhou zimou, kterou přeruší až dceřin návrat na zem každé jaro.
Ženy mají na sběr květů sezónní časové omezení, a tak, jak napovídá název obrazu, mohou sbírat růže, jen dokud mohou.
Sbírejte poupata růží, dokud můžete John William Waterhouse (1908)
O rok dříve Waterhouse dokončil obraz s podobným názvem, na němž rudovlasá žena podává misku s květinami.
Její hlava se odráží v zrcadle za ní.
Květy v míse jsou krásné růže, ale jak připomíná Herrick ve své básni Carpe diem:
"...A tentýž květ, který se dnes usmívá
Zítra bude umírat...".
Dnešní krásné růže by zítra umíraly.
Sirény, mořské panny, akty a kontroverze
Právě Waterhousova schopnost zobrazovat krásné ženy mu zajistila popularitu u tehdejší veřejnosti.
Lamia John William Waterhouse (1905)
V roce 1905 Waterhouse dokončil dílo s názvem Lamia.
Ačkoli název vyvolává představu něžné duše, nemůže být dále od pravdy.
Slovo lamia znamená upírka, čarodějnice, kouzelnice, ghúlka nebo zaklínačka a postava pochází z řecké mytologie.
Podle řecké báje se Lamia po zabití svých dětí bohyní Hérou snažila pomstít tím, že sála krev mužů, které svedla, a požírala jejich děti.
Waterhouse k tématu přivedla vyprávěcí báseň Johna Keatse Lamia z roku 1819.
Básník však ženu-zvíře otevřeně neodsuzuje jako zlo, ale spíše se pozastavuje nad její krásou a sexuálním vzrušením, které nabízí.
Na obraze vidíme nohu rytíře, který šlape na ocas hadí Lamii, a vidíme šupiny, které shodila, omotané kolem zadní části jejích nohou.
Tyto barevné šupiny kontrastují s jejími bledými pažemi, které natahuje směrem k rytíři.
Waterhouse dokončil celkem tři verze tohoto díla, všechny přibližně stejné velikosti.
Originál, který byl vystaven na letní výstavě Královské akademie v roce 1905, zakoupil sir Alexander Henderson, baron Faringdon, jehož rodinní příslušníci byli Waterhousovými nadšenými mecenáši.
Krásná dáma bez citu od Johna Williama Waterhouse (1893)
Další z Keatsových dívek, která se objevila ve Waterhousově díle.
V roce 1820 Keats napsal báseň La Belle Dame Sans Merci (Krásnádáma bez citu).
Vypráví o rytíři, který se setká s krásnou kouzelnicí.
Potkal jsem v lukách dámu,
plnou krásy - dítě víly,
vlasy měla dlouhé, nohu lehkou,
a oči divoké.
Rytíř se do této krásné křehké bytosti zamiloval, ale je opravdu taková, jak se zdá?
Rytíř je okouzlen, upadá do spánku a zdá se mu o tom, jak se s touto ženou poprvé setkal.
Ve snech je však rytíř varován před milostným vztahem s touto krásnou dívkou.
Vzala mě do své elfí jeskyně,
a tam plakala a vzdychala plna bolesti,
a tam jsem zavřel její divoké divoké oči
polibky čtyři.
A tam mě ukolébala,
A tam se mi zdálo - Ach! běda!
Poslední sen, co se mi kdy zdál
Na chladné stráni.
Viděl jsem i bledé krále a prince,
bledé bojovníky, bledé jako smrt;
volali - "Krásná dáma bez citu"
Tebe má v zajetí!
Když se probudí ze spánku, zjistí, že dívka odešla a on má zlomené srdce.
Dějištěm tohoto díla je hustý les, který symbolizuje jak pocit zmatku, tak morální zmatek.
Waterhousův obraz se nachází v místě básně, kde se rytíř setkává s ženou.
Je zobrazen, jak se k ní sklání.
Při pohledu na její odvrácenou tvář je zcela zmaten její krásou.
Na pravém rukávu ženy je srdce.
Chytá rytíře do pasti a omotává mu kolem krku své dlouhé vlasy jako had, který chytá svou kořist.
Svazuje si vlasy do uzlu, aby rytíře polapila.
Přitahuje ho k sobě.
Dívá se na něj a on je ztracen, téměř jako by byl zhypnotizován její krásou.
Upustil kopí na zem, což je metaforicky znamením jeho bezbrannosti, bezmoci vůči jejím úskokům a také symbolizuje ztrátu jeho mužné mužnosti.
Tato krásná pramáti ho vykastrovala.
Dílo je velmi smyslné, když se díváme na rytíře a ženu, kteří si hledí do očí.
Ve vyobrazení je napětí, ale víme, že jakmile se jejich rty setkají, rytíř bude ztracen.
Svým způsobem Waterhousovo zobrazení hraje na obavy mužů z jejich zranitelnosti v rukou něžného pohlaví.
Je to také prohlášení o neustálé potřebě ženy být milována.
Hylas a nymfy (1896) - John William Waterhouse
Interakce mezi muži a ženami byla pro Waterhouse stále zajímavá a často zobrazoval takovou souhru mezi pohlavími zobrazováním mytologických příběhů.
Ve svém roce 1896 dokončil obraz s názvem Hylas a nymfy, jehož nastavení je někde hluboko v zarostlém lese obklopujícím kalný rybník se shluky rákosí a lilií.
Velmi připomíná prostředí v malbě Johna Everetta Millaise z roku 1852 Ophelia.
Vyobrazení pochází z příběhu Jásona a Argonautů.
Hylas, velmi pohledný mladík, byl jedním z Jásonovy posádky.
Když Jásonova loď přistála na ostrově během jeho hledání zlatého rouna, Hylas byl poslán na břeh, aby přinesl mužům čerstvou vodu.
Hylas našel bazén na mýtině a natáhl se dolů a položil džbán do vody, ale než mohl džbán zvednout, vzhlédl, aby objevil vodní nymfy, které ho obklopují, a víme, že je odsouzen k zániku.
Lákala je jeho krása a jedna z nymf se natáhla, aby ho políbila.
Hylas okamžitě zmizel beze stopy, už nikdy nebyl nalezen a po zdlouhavém hledání svého pohřešovaného člena posádky se Jáson rozhodl opustit ostrov a pokračovat ve svých cestách.
Předběžná skica pro Hylas a nymfy John William Waterhouse
Obraz zobrazuje lesní rybník, ve kterém vidíme koupání sedmi holých nymf, zatímco na břehu vidíme Hylase klečícího se džbánem ponořeným do vody.
Na těchto podmanivých nahých nymfách v průsvitné vodě je jemná sexualita.
Hylasův olivový tón pleti je tmavší než tón krémové pleti nymf, který kontrastuje s jejich tmavými vlasy.
Ačkoli legenda popisuje Hylase jako velmi hezkého muže, naše oči se okamžitě zaměří na centrální nymfu, která Hylase hypnotizovala svou krásou a nějakým způsobem uchvátila nás, diváky obrazu.
Obraz nebyl dokončen v době letní výstavy Královské akademie v roce 1896 a místo toho byl uveden na podzimní výstavě v Manchesteru a po události byl zakoupen společností Manchester Corporation.
Poté jej nechali vystavit na výstavě Královské akademie v roce 1897.
Obraz byl později zapůjčen na řadu mezinárodních výstav, včetně Pařížské expozice Universelle v roce 1900.
Hylas a nymfy (detail) John William Waterhouse
Obraz byl centrem kontroverze v roce 2018, kdy se kurátor Manchester Art Gallery rozhodl odstranit obraz ze stěn stálé sbírky.
Co odstartovalo odstranění?
Někteří věřili, že kvůli nahotě vystavené v díle.
Oficiální postoj byl, že odstranění obrazu bylo součástí uměleckého projektu britské afro-karibské umělkyně Soni Boyce inspirované kampaněmi MeToo a Time's Up.
V galerii byl promítán film odstranění obrazu s úmyslem podnítit debatu o prezentaci žen !
V souvislosti s tímto odstraněním došlo k okamžitému odporu veřejnosti a Národní tisk měl poplach, když kurátorka musela své rozhodnutí zvrátit.
Daily Mail z 5. února 2018 uvedl titulek:
Útočné nymfy jsou opět vystaveny v galerii umění v Manchesteru po odporu, když bylo umělecké dílo odstraněno ze strachu, že to bylo urážlivé pro ženy.
Waterhousův 's Hylas Nymfy byl odstraněn, jelikož to bylo "urážlivé pro ženy".
Kurátor tvrdil, že umělecká díla z roku 1896 udržovala "zastaralé a škodlivé příběhy", že "ženy jsou buď femmes fatale, nebo pasivní těla"
Galerie obviněná z cenzury poté, co odstranila předrafaelitské mistrovské dílo za to, že údajně uráželo ženy, udělala ponižující obrat.
Po zuřivém odporu proti Manchester Art Gallery za to, že sundal Hylas a nymfy Johna Williama Waterhouse, se obraz se o víkendu vrátil na čestné místo.
Manchester Gallery pak musela formulovat prohlášení vysvětlující odstranění a následný návrat.
Amanda Wallace, prozatímní ředitelka Manchester Art Gallery, řekla:
"...Byli jsme zaplaveni reakcemi na naše dočasné odstranění Hylase a nymf v rámci nadcházející výstavy Soni Boyce a bylo úžasné vidět hloubku a rozsah vyjádřených pocitů.
Obraz je právem uznáván jako jeden z vrcholů naší pre-rafaelitské sbírky a v průběhu let si jej užívaly miliony návštěvníků galerie.
Doufali jsme, že experiment podnítí diskusi, a je spravedlivé říci, že jsme za to měli vynadáno – a to nejen od místních lidí, ale od milovníků umění po celém světě.
Během sedmidenní nepřítomnosti obrazu bylo jasné, že mnoho lidí cítí velmi silně nastolené problémy, a nyní plánujeme využít tuto sílu citu pro další debatu o těchto širších otázkách..."
Hylas a vodní nymfy Henrietta Rae (1909)
Je ironií, že takové domnělé prohlášení Manchesterské galerie, že obraz byl poněkud sexistický a proti feministickým principům ve způsobu, jakým zobrazoval nahé ženy jako od velké viktoriánské malířky a zaryté zastánkyně feminismu a volebního práva žen a organizátorky výstavy umělkyň k jubileu královny Viktorie, Henrietty Rae, která vytvořila podobný obraz v roce 1909.
Mořská panna od Johna Williama Waterhouse 1900
V tradičním folklóru byla mořská panna považována za tradiční sirénu, která svými fascinujícími písněmi lákala nic netušící námořníky k jejich zkáze.
Byla napůl ryba, napůl člověk a toužila po společnosti mužů.
Právě tyto legendární postavy inspirovaly Waterhouse k dokončení řady obrazů s mořskými pannami a sirénami.
V roce 1900 dokončil obraz s názvem Mořská panna, který je nyní součástí sbírky Královské akademie.
Waterhousův zájem o toto téma byl kvůli jeho mystické svůdnici, jejíž krása a charisma se pro muže ukázaly jako smrtící.
Přesto to byla neschopnost mořské panny vytvořit smysluplný vztah s lidskou bytostí, která byla sama o sobě prokletím, které ji předurčilo žít nenaplněný život.
Je možné, že zájem Waterhouse o tento aspekt souvisel spíše s tím, jak se muži stali úzkostlivými, když byli konfrontováni okouzlující ženou, protože kapitulace před takovými pocity by mohla mít tragický výsledek.
Na obraze vidíme mořskou pannu, jak vyčesává své dlouhé zrzavé vlasy, zatímco zpívá hypnotickou píseň, a kombinací těchto prvků Waterhouse vytváří spojení mezi narcistickým rysem žen a zranitelností člověka, pokud jde o krásné ženy.
Před mořskou pannou je velká skořápka obsahující perly, které dle legendy jsou tvořeny slzami mrtvých námořníků.
Mořská panna je posazená na skále a její ocas se kolem ní stočil, skoro jako by se objímala.
Waterhousovo zobrazení mohlo být opět ovlivněno Tennysonovou básní z roku 1830 Mořská panna.
Siréna-John William Waterhouse (1900)
Téhož roku 1900 dokončil Waterhouse podobnou práci s názvem siréna.
Toto byl jeho opožděný (o pět let) Diplomový obrázek Královské akademie poté, co byl v roce 1895 zvolen právoplatným akademikem.
V této práci má Waterhouse mořskou pannu posazenou na skále a skořápku, kterou jsme viděli na malbě mořské panny, nahradil hudební nástroj Lyra.
V siréně Waterhouse zobrazil sirénu, jak se dívá dolů na tonoucího námořníka.
Výraz ve tváři sirény je poněkud mystifikující, protože je to zvídavost a nikdo by ho neočekával od "tvora", který se chystá sledovat, jak se námořník topí v rozbouřeném moři.
Je to skoro pohled soucitu.
Výraz ve tváři námořníka je jednou z proseb o záchranu.
John William Waterhouse (c. 1886)
V roce 1915 byla Johnu Williamu Waterhousovi diagnostikována rakovina jater a o dva roky později zemřel doma 10. února 1917 ve věku 68 let a byl pohřben na hřbitově Kensal Green v Londýně.
Třináct let po jeho smrti jeho vdova prostřednictvím Christies prodala sto děl svého zesnulého manžela.
Je smutné, že do té doby se Waterhousova díla stala nemoderními a jeho slavný obraz Ophelia byl zakoupen za skromných 450 liber.
V 60. letech se však jeho práce stala populárnější a pohlednice jeho obrazu Lady of Shalott se stala bestsellerem.
Jeho pověst byla dále posílena v roce 2000, kdy jeho obraz St Cecilia získal v aukci 6,6 milionu liber.
Byla to nejvyšší cena, jaká kdy byla za viktoriánský obraz zaplacena.
V roce 2009 proběhla na Královské akademii významná retrospektiva jeho práce.
Waterhouse byl popsán jako: "...jeden z nejoblíbenějších britských malířů devatenáctého století..."
V katalogu výstavy, který výstavu doprovázel, napsal v úvodu jeho životopisec:
"...V průběhu pěti desetiletí prochází obrazy Waterhousova fascinace melancholií, magií a vzrušujícími nebezpečími lásky a krásy... jsou lyrické v pravém slova smyslu – prodchnuté stejnou hypnotickou silou, jakou mají starověcí básníci, kteří zpívali své příběhy. Byl to také muž obzvláště uchvácený ženskou krásou a mocí žen nad muži, nad přírodou, nad sebou navzájem – bez ohledu na to, jak robustně nebo křehce by mohly vypadat fyzicky..."
Konec
Q.S.