Adolphe-William Bouguereau
Pojďme se na chvíli věnovat životu a některým dílům jednoho z největších a nejplodnějších francouzských malířů devatenáctého století Adolpha-Williama Bouguereaua. V době, kdy mnoho jeho současníků brojilo proti akademickému umění, byl Bouguereau jeho přesvědčeným zastáncem. Byl ryzím tradicionalistou.
Proč tedy podporoval postoj uměleckého establishmentu a jeho metody vzdělávání začínajících umělců, když mnozí jeho současníci hlasitě odsuzovali vše, co umělecký establishment představoval?
Abychom na tuto otázku odpověděli, musíme se podívat na způsob výuky umění ve Francii, přesněji řečeno v Bouguereauově případě na způsob výuky v Paříži, která byla tehdy považována za hlavní město umění.
Umělecká výuka v tomto městě se soustředila na státem podporovanou uměleckou školu École nationale supérieure des Beaux-Arts, která byla založena v polovině 17. století jako Académie des Beaux-Arts a po osamostatnění od vlády v roce 1863 změnila název na L'École des Beaux-Arts.
Zde se mladí muži (ženy byly přijaty až v roce 1898) učili kreslit.
Samotná výuka malování na plátno probíhala v soukromých ateliérech, které často vedli profesoři školy.
Umělecká příprava byla důkladná a začínající umělci museli dosáhnout vysokých nároků, aby mohli pokračovat v kurzu.
Museli také přihlásit svá díla do řady interních soutěží.
Nejprestižnějším oceněním byla cena Prix de Rome, která se udělovala umělci, jenž předložil nejlepší obraz Historie.
Bouguereau získal prestižní cenu Prix de Rome v roce 1850 za obraz Zenobia nalezená pastýři na břehu řeky Araxes.
Odměnou mu byla možnost navštěvovat Villa Medici, což byla Francouzská akademie v Římě, a zůstat tam čtyři roky.
Během této doby měl student možnost studovat klasické umění italských renesančních mistrů.
Důvodem, proč to francouzská umělecká reprezentace považovala za tak důležité, bylo její přesvědčení, že žádný umělec nikdy nedosáhl takové úrovně dokonalosti jako Rafael, Tizian nebo Michelangelo.
Podle jejich názoru byl každý začínající umělec povinen tento typ umění napodobovat.
Pařížská umělecká instituce, která dohlížela na chod L'École des Beaux-Arts, vydávala umělcům oficiální seznam, v němž uváděla, které žánry obrazů považuje za důležitější než jiné.
V čele této hierarchie žánrů stála historická malba, což bylo zdůvodněno tím, že nějakým způsobem reprezentovala všechny umělecké dovednosti, které se mladí umělci naučili během svého průchodu systémem Akademie.
Historické obrazy byly zpravidla velmi rozměrná díla, a proto byly téměř vždy určeny k zavěšení na veřejných místech, například v kostelech nebo v prostorných místnostech vládních budov či na stěnách galerií.
Historické obrazy se zabývaly světem klasických, mytologických, literárních a náboženských událostí, které se odehrály v minulých dobách.
V rámci tohoto vrcholného žánru se nacházela alegorická díla, která svým zobrazením nesla symbolické poselství o dobru a zlu.
Právě v těchto dílech bylo zobrazování nahých postav považováno za přijatelné a právě díky dlouholetému studiu lidské postavy v hodinách kresby života na Akademii mohli začínající umělci obratně předvést, co se naučili.
Jakmile se umělec vyučil na akademii, musel se vyrovnat s tím, že aby přežil, musí svá díla prodávat.
V minulosti byla kupcem uměleckých děl vláda, církev a bohatá šlechta, ale brzy se ukázalo, že jejich zadavatelská moc začíná být omezená a novými kupci umění se stávají Pařížané ze střední a vyšší třídy, kteří mají peníze a chtějí zaplnit své honosné domy krásným uměním.
Kde tedy mohli tito noví kupci získat výtvarná díla?
Pařížští obchodníci s uměním, jako byli Paul Durand-Ruel a Adolphe Goupil, se stali kupci a prodejci umění až v polovině devatenáctého století.
Do té doby bylo nejprestižnějším způsobem prodeje obrazů jejich přijetí na každoroční výstavu pařížského Salonu.
Salon, označovaný jednoduše jako Salon, vznikl v roce 1725 jako oficiální výstava umění Akademie krásných umění (Académie des Beaux-Arts).
Jednalo se o rozsáhlé výstavy, na kterých byla díla umělců, poté co prošla kontrolou porotců Salonu, vystavena od podlahy ke stropu a na každém volném centimetru stěny.
Potenciální kupci si tak mohli na jednom místě prohlédnout nabízená umělecká díla.
Lze si tedy uvědomit, že aby se dílo prodalo, muselo nejen lahodit oku potenciálního kupce, ale muselo být na výstavě Salonu zavěšeno na prominentním místě.
Výhodou malířů historie oproti ostatním byla monumentální velikost jejich děl, která často zastiňovala "konkurenci", a proto byla vždy umístěna na prominentním místě.
Pojďme se nyní věnovat dvěma monumentálním historickým obrazům, které Bouguereau dokončil, jednomu světskému, druhému náboženskému, ale oba navazují na umělecké tradice stanovené Akademií.
Nyní se podívejme na světské dílo s názvem Dante a Vergilius v pekle, které se nachází v pařížském Musée d'Orsay.
Jedná se o skutečně úchvatné dílo, které je ukázkovým příkladem klasického umění, v němž je tolik pozornosti věnováno svalovině lidského těla.
První, co člověka na tomto obraze zaujme, je jeho nespoutaná divokost, která má za následek, že se od něj buď chcete šokovaně odvrátit, nebo na něj fascinovaně zíráte.
Předloha díla pochází z epické básně Božská komedie Danteho Alghieriho ze 14. století, která vypráví o cestě Danta peklem spolu s jeho průvodcem, starořímským básníkem Vergiliem.
V básni se dozvídáme, že peklo se skládá z devíti soustředných kruhů v útrobách Země.
V každém z těchto kruhů žijí lidé, kteří se dopustili určitého druhu hříchu.
Bouguereauův obraz zachycuje oba cestovatele, kteří přicházejí do osmého kruhu pekla.
V tomto kruhu jsou umístěni zesnulí falzifikátoři.
Tento kruh, přezdívaný Malebolge (zlé pouzdro), se od ostatních kruhů liší tím, že je obehnán stěnou z matného kamene železné barvy a samotné údolí je rozděleno na deset vedlejších kruhů neboli pouzder.
Dějištěm Bouguereauova díla je desáté pouzdro osmého Kruhu pekla.
Vidíme Danta a Vergilia, jak sledují boj dvou zatracených duší.
Kdo jsou tedy dvě hlavní postavy zobrazené na obraze, které spolu bojují, a proč jsou odsouzeny k pobytu v tomto kruhu pekla, který je domovem alchymistů, padělatelů, křivopřísežníků a podvodníků?
Dante Alghieri by o těchto dvou mužích věděl.
Jedním z nich je Capocchio, kacíř a alchymista ze Sieny, který byl v srpnu 1293 popraven veřejným upálením na hranici.
Druhým je Gianni Schicchi, který je odsouzen do pekla za to, že se vydával za Buosa Donatiho a učinil jeho závěť pro sebe velmi výhodnou.
Příběh vypráví, že po smrti bohatého Florenťana Buosa Donatiho v roce 1299 jeho příbuzní horečně pátrali po jeho závěti.
Závěť se nakonec našla, ale ke zděšení příbuzných odkázal Donati většinu svých peněz a majetku místním mnichům.
Příbuzní se proto obrátí na intrikánského, ale vynalézavého Gianniho Schicchiho, který má dar mimikry, aby jim pomohl najít řešení a zachránit dědictví.
Schicchi nemá příbuzné, kteří se snaží získat peníze, v lásce, ale souhlasí, že se bude vydávat za Buosa Donatiho, protože kromě příbuzných o jeho smrti nikdo neví.
Schicchi se úspěšně vydává za zemřelého Donatiho a změní závěť.
Ironií je, že Schicchi změnou závěti nakonec sám sobě daruje většinu majetku patřícího mrtvému.
Příbuzní byli bezmocní cokoli udělat, protože se podíleli na podvodu!
Toto přivlastnění si identity Donatiho s cílem podvodně si nárokovat jeho dědictví ho odsoudilo do osmého kruhu pekla.
Popředí obrazu je dobře osvětleno a stejně jako silné světlo působí téměř jako reflektor, který vybral dva bojující protivníky, Schicchiho a Capocchia.
V popředí Capocchio, kacíř a alchymista, je napaden a kousnut do krku uzurpátorem Giannim Schicchim.
Chová se jako upír.
V pozadí ve stínu vidíme Danta a Vergilia, jak stojí vedle sebe.
Vergilius je oblečen do červeného pláště a klobouku a Dante je oblečen do šedého.
Vergilius se dívá dolů na bojovníky, ale Dante si zakryl ústa hrůzou z toho, co před sebou vidí.
Dante však nemá oči upřené na bojující, ale na něco napravo, mimo obraz.
Na co se tedy dívá?
Možná jsou to další nahá svíjející se těla podobná těm, která vidíme pod okřídleným démonem.
Vergilius uchopí Danta a chce, aby odstoupil pryč od této strašlivé scény.
Nad nimi se vznáší létající démon, kterého vidíme zobrazeného proti ohnivě červenému pozadí pekla.
Démon se široce usmívá, když vidí, jak se muži dole trhají na kusy.
Na podlaze vedle bojující dvojice vidíme muže zmítajícího se v bolestech, což je trest za jeho minulé hříchy.
Podívejte se pozorně, jak Bouguereau zkrášlil svalovou strukturu obou mužů.
Podívejte se, jak deformace těl v jejich přehnaně propracovaných pózách dodala obrazu zvířecí divokost.
Zvláště se mi líbí, jak Bouguereau přehnal zobrazení Schicchiho násilného natahování Capocchiovy kůže, kdy se mu z nehtů začíná řinout krev, zatímco jeho koleno, které narazilo do Capocchiových zad, ohýbá páteř jeho oběti.
Francouzský umělecký kritik a básník 19. století Théophile Gautier se o Bouguereauově malbě vyjádřil velmi pochvalně, když řekl:
"Gianni Schicchi se s podivnou zuřivostí vrhá na Capocchia, svého soupeře, a pan Bouguereau skvostně zobrazuje prostřednictvím svalů, nervů, šlach a zubů zápas mezi oběma bojovníky. V tomto plátně je hořkost a síla - síla, vzácná vlastnost!..."
Je to velkolepé umělecké dílo, i když velmi znepokojivé.
Nyní se zaměříme na další z Bouguereauových velkých historických obrazů.
Jedná se o jedno z jeho náboženských děl, které se vyznačuje stejnou dravostí jako obraz Dante a Vergilius.
Ať už jste milovníky náboženských historických obrazů, nebo ne, je nemožné, aby vás krása tohoto díla neuchvátila.
Bouguereau byl věřící a na své náboženské obrazy pohlížel jako na formu svého uctívání Boha.
Bouguereauova náboženská víra je v jeho náboženských dílech jasně patrná.
Obraz, který si prohlédneme, nese název Bičování Krista a byl dokončen v roce 1880.
Než se budeme věnovat obrazu, povíme si něco o jeho životě.
Adolphe-William Bouguereau se narodil v listopadu 1825 ve francouzském městě La Rochelle na pobřeží Atlantiku.
Jeho otec byl Theodore Bouguereau, prodavač vína a olivového oleje.
Jeho otec se snažil vydělat na svém podnikání mnoho peněz a kvůli finančním potížím a rodinnému napětí byl William poslán žít ke svému strýci Eugènovi Bouguereauovi, který byl vikářem ve městě Montagne, asi dvacet kilometrů od Bordeaux.
Toto nucené přestěhování ke strýci se pro mladého chlapce ukázalo jako velmi šťastné, protože to byl právě jeho strýc, kdo ho uvedl do světa římské a řecké mytologie a dal mu číst příběhy ze Starého a Nového zákona.
Bouguereau si uvědomil, že pro svůj umělecký pokrok potřebuje být v Paříži, která byla v té době považována za hlavní město uměleckého světa
Bouguereau si uvědomoval, že pro svůj umělecký pokrok potřebuje být v Paříži, která byla v té době považována za hlavní město uměleckého světa.
K životu ve francouzské metropoli však potřeboval peníze, které mu chyběly.
Otcovo podnikání nebylo natolik úspěšné, aby mohl synovi peníze poskytnout, ale naštěstí pro Williama se jeho záchranou opět stal strýc Eugène, vikář.
Zařídil, aby William maloval portréty svých farníků za pevný honorář, a po několika měsících portrétování nashromáždil devět set franků.
Podobnou částku mu věnovala i jeho teta a on se mohl vydat do Paříže.
Toto dílo vystavoval na pařížském salonu v roce 1880.
Jedná se o monumentální dílo o rozměrech 390 x 210 cm (téměř 13 stop na výšku a 7 stop na šířku).
Lze si snadno představit, jak vynikalo mezi všemi ostatními díly vystavenými na výstavě.
Je uznáváno jako jedno z Bouguereauových největších náboženských děl.
Bouguereau na něm zobrazil Krista přivázaného ke sloupu.
Kristovo tělo téměř bez života visí dolů a jeho nohy se vlečou po zemi.
Jeho hlava klesá dozadu.
Jeho oči jsou prázdné a nesoustředěné.
Je naprosto bezmocný.
Nemůže udělat téměř nic, aby zastavil zuřivé násilí.
Na rozdíl od Bouguereauova obrazu Dante a Vergilius se Bouguereau při zobrazení Kristova těla nepokusil o přehnanou muskulaturu.
Kristovo tělo je tělem normálního člověka.
Je stejné jako to naše a tím nám Bouguereau umožnil snadněji se vcítit do Kristova utrpení a bolesti.
Vidíme Kristovy mučitele, dva muže, kteří stojí po obou jeho stranách, ruce zvednuté uprostřed houpačky s uzlovými provazovými biči ve vzduchu.
V pravém popředí vidíme třetího klečícího muže.
Právě přivazuje březové větve, které později použijí k bičování svého vězně.
Podívejte se na výraz jeho tváře.
Je v něm vidět znepokojení.
Zdá se, že možná není přesvědčen o oprávněnosti toho, co před sebou vidí.
Jako by začínal pochybovat o své účasti na bičování.
V pozadí se shromažďuje zvědavý dav, který je svědkem bičování.
Nejedná se o pošklebující se a posmívající se dav, který jsme viděli v mnoha davových scénách v severských renesančních dílech.
Tuto skupinu lidí nelze přirovnat k vrčícímu davu, který jsme viděli na dřívějších vyobrazeních Umučení Krista.
Starší muž v davu, možná otec, zvedne dítě do výšky, aby na něj lépe vidělo.
Na tvářích davu je jen málo známek soucitu.
Možná přijali obvinění, která byla proti Kristu vznesena a mají pocit, že musel být potrestán.
Je tu však jedna výjimka.
Podívejte se pozorně na krajní levou část pozadí.
Vidíme mladého chlapce v dlouhé zelené tunice, který se v hrůze z toho, co se děje, odvrátil a zabořil hlavu do šatů ženy, která ho v útěšném gestu objala kolem ramen.
Možná je to jeho matka.
Možná je zděšená tím, čeho byl její malý syn svědkem, a snaží se ho opožděně ochránit.
Uprostřed pozadí stojí muž v bílé vestě a šedé čelence.
V ruce svírá plášť z březových větví a připravuje se k účasti na bičování.
Existuje řada příkladů, kdy se umělec rozhodl vložit do díla vlastní podobu a Bouguereau tak učinil i v tomto obraze.
Podívejte se na tvář v pozadí napravo od muže v bílé tunice a s páskou na hlavě.
Tam mezi diváky hledí muž se zrzavými vlasy a červeným plnovousem.
Jeho čelo je svraštělé, což značí jeho znepokojení z toho, co vidí před sebou.
Předpokládá se, že se jedná o tvář samotného umělce.
Stejně jako my se dívá na hrůzný výjev.
Velikost díla téměř jistě znemožnila jeho prodej soukromé osobě a Bouguereau jej v roce 1881 věnoval Společnosti přátel umění ve svém rodném městě La Rochelle.
Toto majestátní dílo se nyní nachází v baptisteriu katedrály v La Rochelle ve Francii.
Bouguereau nikdy neztratil lásku k řecké a římské mytologii, k níž ho od útlého věku vychovával jeho strýc Eugène.
Jak jsem již uvedl, Bouguereau byl velmi nábožensky založený člověk a náboženské obrazy byly trvalým tématem jeho obrazů.
Často se jeho náboženská díla zaměřovala na smutné a pohnuté události a předpokládá se, že se v nich odrážela úzkost a utrpení, které prožíval při ztrátě svých blízkých ve vlastním životě.
Zakázky, které kdysi dostával od církve za svá monumentální náboženská díla a soukromé zakázky na velké historické obrazy se zmenšily a on musel živit rozrůstající se rodinu.
Potřeboval zvýšit své příjmy.
Psal se rok 1846 a Bouguereauovi bylo téměř jednadvacet let.
Na doporučení svého bývalého učitele na L'École Municipale de Dessin et de Peinture v Bordeaux Jeana-Paula Alauxe byl přijat do ateliéru Françoise-Edouarda Picota na pařížské École des Beaux Arts.
Picotova pověst byla vybudována na jeho mytologických, náboženských a historických obrazech, a tak byl ideálním učitelem Bouguereaua, který vždy obdivoval akademická umělecká díla z oblasti historie.
Přijetí na prestižní uměleckou školu bylo pro Bouguereaua splněným snem, protože přijetí na tuto slavnou uměleckou školu bylo nejvyšším cílem všech začínajících umělců a začátkem přijetí mezi oficiální umělecká bratrstva.
Jeho umělecké vzdělání na L'École des Beaux Arts bylo standardního akademického typu s přísnými zásadami týkajícími se důležitosti kresby, kresby v životě, technické zdatnosti a nakonec i výchovy ke klasickému historickému malíři a akademickému portrétistovi.
Mnozí umělci považovali přísný režim výuky za příliš autoritářský a dusivý, ale Bouguereau byl věrný akademickému školení a zůstal jím po celý život.
V roce 1850, na třetí pokus, získal Bouguereau jednu ze dvou Velkých cen za nejlepší historickou malbu.
Nesl název Zénobie Retrouvée par les Bergers sur les Bords de l'Araxe (Zenobii objevili pastýři na břehu řeky Araxe).
Odměnou mu byl tříletý pobyt ve Ville Medici, francouzské akademii v Římě, během něhož měl také možnost cestovat po Itálii a její krajině a studovat a kopírovat díla velkých renesančních mistrů.
Jeden z prvních Bouguereauových obrazů, na němž se změnil jeho styl, byl dokončen v roce 1851 a nese název Bratrská láska a lze jej nalézt v Muzeu výtvarných umění v Bostonu.
Co se vám při pohledu na výjev před vámi okamžitě vybaví?
Jedná se o náboženské nebo světské dílo?
Víme, že Bouguereau byl velmi nábožensky založený člověk a namaloval mnoho náboženských děl, takže je toto prostě další z nich?
Je to Panna Maria s blonďatým Ježíškem a možná svatým Janem?
A přesto je název světský, bez odkazu na členy Svaté rodiny.
Zamysleme se tedy nad tím, na co se díváme.
Vidíme matku a její dva chlapce.
Mladší dítě, které sedí matce na klíně, drží tvář svého staršího bratra mezi baculatýma rukama a líbá ho.
Matka se na tento demonstrativní projev synovské lásky lásky láskyplně dívá.
Na sobě má modré šaty, což v nás samozřejmě okamžitě vyvolá myšlenku na modrou barvu, kterou vídáme na většině vyobrazení Panny Marie.
Obraz zakoupil bostonský obchodník a vášnivý sběratel umění Thomas Wigglesworth a v době, kdy obraz koupil, byl známý jako Madona s dítětem a Janem Křtitelem, ale je třeba si uvědomit, že Bouguereau dal obrazu světský název Bratrská láska, čímž obraz změnil z náboženského na světský žánrový výjev, a tím zvýšil jeho prodejnost, protože nyní bylo mnohem více kupců, kteří by si koupili sekularizovanou Pannu Marii než její velmi náboženské zobrazení ve vánočních betlémech.
Bouguereau však maloval náboženská díla s Pannou Marií a dítětem a je zajímavé porovnat světský obraz Bratrská láska s obrazem Madona s dítětem a svatým Janem Křtitelem, který namaloval o třicet let později, v roce 1882 a který se nachází v Muzeu umění Herberta F. Johnsona na Cornellově univerzitě v Ithace ve státě New York.
Dítě Kristus na tomto náboženském díle má stále kudrnaté světlé vlasy a Jan Křtitel kudrnaté tmavé vlasy, které jsme viděli na obraze Bratrská láska.
Opět vidíme úzké spojení mezi oběma dětmi.
Prostředí tohoto obrazu má ve srovnání s jeho světskou tvorbou formálnější ráz.
Na rozdíl od venkovní scény Bratrské lásky se jedná o vnitřní prostředí.
Na tomto díle sedí Panna Maria na bílém mramorovém trůnu, který zabírá téměř celou šířku díla.
Za trůnem je krásná zdobená tapiserie.
Začlenění těchto detailů dodává obrazu smysl pro tradiční umění velkých mistrů, jehož musel být během svého pobytu v Itálii svědkem.
Obraz je zobrazením něhy mezi matkou a dítětem.
Podívejte se na pózu dítěte Krista, jak se dívá na svého přítele Jana Křtitele.
Již v tomto raném věku lze rozpoznat blízké přátelské pouto mezi oběma.
To, že Bouguereau zobrazil Ježíška s rukama plně roztaženýma směrem ven, musí být víc než jen náhoda, která připomíná ukřižování, jež přijde v budoucnu.
V roce 1854 se Bouguereau vrátil do Paříže.
O dva roky později, v roce 1856, se ve věku 31 let oženil s Marií-Nelly Monchablonovou.
Manželé spolu měli tři syny, Georgese, Adolpha-Paula a Williama-Maurice, a dvě dcery, Henriette a Jeanne-Léontine.
Mladší dcera Jeanne-Léontine bohužel zemřela v roce 1866, když jí bylo pouhých pět let, Georges zemřel v červenci 1875 ve věku šestnácti let, ale nejsmutnější bylo, že jeho čtyřicetiletá manželka Nelly zemřela při porodu jejich pátého dítěte, Williama-Maurice, v roce 1877 a on zemřel o sedm měsíců později.
Dvě z Bouguereauových největších děl vznikla ze smutku, který prožíval při úmrtí členů rodiny.
V obou dílech využil náboženských motivů, aby světu představil svůj smutek a pocit ztráty.
Jeho dílo z roku 1876 s názvem Pieta bylo považováno za předlohu Michelangelovy mramorové Piety s Pannou Marií a Kristem.
Bouguereau obraz dokončil krátce po smrti svého syna Georgese.
V roce 1877 Bouguereau věnoval obraz své zesnulé ženě Nelly, která zemřela při porodu a svému nejmladšímu synovi Williamovi-Mauricovi, kterému bylo sedm měsíců, když zemřel.
Nese název Vierge Consolatrice (Panna útěchy).
Na díle vidíme černě oděnou Pannu útěchy, která opět sedí na bílém mramorovém trůnu, za nímž je velká barevná tapiserie.
Na jejím klíně leží mladá žena, která zcela bezútěšně truchlí nad smrtí svého dítěte, jehož tělo vidíme ležet nahé u nohou Panny Marie.
Panna Marie zvedla ruce k modlitbě.
Je prostředníkem mezi matkou a nebesy.
Při pochopení okolností, které ho provázejí, se člověk stává chápavějším a méně cynickým.
Předpokládá se, že Bouguereau získal tímto dílem útěchu po smrti své ženy a dítěte.
V roce 1869, před tragickou a předčasnou smrtí své ženy a tří dětí, namaloval Bouguereau portrét dvou dětí a jako modely použil svou dvanáctiletou dceru Henriettu a jejího čerstvě narozeného bratra Adolfa-Paula.
Dílo bylo nazváno La soeur aînée (Starší sestra) a visí ve stálé sbírce Muzea výtvarných umění v Houstonu.
Podle muzea je toto dílo jedním z vrcholů jejich sbírky a bylo anonymním darem jisté dámy na památku jejího otce.
Vidíme Henriettu sedící na skále, na klíně kolébá spící dítě.
Čepička dítěte se ve spánku lehce kolébá.
Henriette se dívá přímo na nás a usmívá se.
Ačkoli je bosá, má na sobě čisté oblečení.
Její pleť je bez jediné vady.
Už v tak útlém věku je znát, že z ní vyroste znamenitá kráska.
Obraz má klidné venkovské prostředí.
V zobrazení dětí a pozadí je vše "prostě dokonalé".
Toto zobrazení se vzdaluje realismu.
Jedná se spíše o idealizované zobrazení.
Bouguereau chytře použil různorodou směs barev a spojil je tak, aby vznikl obraz, který působí jemně.
Dílo působí zemitě.
Barva Henriettiných šatů/tuniky odpovídá hnědé barvě země.
Zdá se, že téměř splývá s barvou popředí.
Sedmdesátá léta 19. století byla pro Bouguereaua velmi smutným obdobím, kdy mu zemřela manželka a tři děti.
Jediným vrcholem tohoto desetiletí pro něj bylo zvolení do Académie des Beaux-Arts de l'Institut de France.
Bouguereau byl po celý život přesvědčeným obhájcem Akademie a všeho, co představovala a pocty, že byl zvolen členem institutu, si velmi vážil.
Napsal:
"...Stát se členem Institutu... je jediné veřejné ocenění, po kterém jsem kdy opravdu toužil..."
V roce 1890 Bouguerau dokončil dílo nazvané Cikánka, které je někdy označováno jako Consuela.
Mladá dívka zobrazená na obraze vyplňuje téměř celé plátno.
Je to mladá cikánka a vidíme ji sedět na kamenné lavičce na nábřeží Quai de Tournelle, které leží na levém břehu Seiny.
V pozadí, na druhé straně řeky, vidíme katedrálu Notre Dame a uprostřed obrazu můžeme rozeznat most Pont de l'Archevêché, který protíná Seinu a spojuje levý břeh s ostrovem Île de la Cité.
Dívka se na nás dívá s poněkud opuštěným výrazem.
Člověk si nemůže pomoci, ale její sklíčený vzhled ho dojme.
Její oblečení je ošuntělé, ale tloušťka látky slouží k tomu, aby jí bylo teplo.
Její šaty jsou matně šedé, ale pestrobarevný šátek její vzhled rozjasňuje.
Má odhalené nohy, což nás vede k domněnce, že jde o žebračku.
Toto tvrzení je ještě více umocněno tím, že na jejím klíně vidíme housle, které jsou nástrojem jejího řemesla - žebrání o peníze.
Není to jen obraz o chudobě.
Bouguereau v něm nejen odsuzuje ponížení, které chudoba přináší, ale také chválí ty, kteří se snaží z bídy vymanit vlastním úsilím.
Zajímavým aspektem tohoto díla je, že víme, že bylo autorem změněno.
Jak to víme?
Existuje fotografie tohoto obrazu z roku 1889, kdy jej Bouguereau "původně dokončil".
Bouguereau se rozhodl zaměstnat fotografy Braun & Clement, aby vyfotografovali kompletní sbírku jeho neprodaných děl.
Na fotografii Cikánky byla za dívkou vidět holá kamenná zeď, která zcela odřízla jakýkoli výhled na Seinu nebo na most, který ji překlenuje na Île de la Cité.
Předpokládá se, že poté, co se obraz v tomto roce neprodal, požádal potenciální kupec v roce 1890 o doplnění výjevu o "lepší" pozadí.
Bouguereau žádosti vyhověl a část díla přemaloval.
Existuje také znamení, že "8" a "9" byly pozměněny a přemalovány číslicemi "9" a "0", čímž se změnilo datum dokončení z roku 1889 na rok 1890.
Bouguereau namaloval mnoho děl s venkovskými dívkami.
V 19. století to byl velmi oblíbený námět.
Pro tehdejší francouzské umělce, včetně Williama Bouguereaua, představoval venkovský sedlák někoho, kdo žil prostým a poctivým životem a vystačil si s chvályhodnou pracovní morálkou.
Obyvatelé měst, kteří se s rolníkem nesetkali, si utvářeli představu o tom, kdo jsou rolníci, podle pastýřů a pastýřek v pestrobarevných šatech, které vídali zobrazovat v italské opeře a divadle.
Bouguereau zobrazoval rolníky téměř výhradně jako ženy a dívky.
Prostředí, v němž je zobrazoval, a to, co měly na sobě, bylo často stejné - jednoduché bílé haleny, svrchní šaty tlumených barev a z hrubého materiálu, doplněné pestrobarevnými a různě vzorovanými šátky.
Selky byly zobrazovány bosé a stojící, sedící nebo ležící v nějaké venkovské scéně, například na poli nebo v lese.
Bouguereau se vyhýbal jakýmkoli dalším venkovským ukazatelům, jako je zemědělská technika nebo hospodářská zvířata, například pasoucí se ovce nebo krávy.
Bouguereau, stejně jako všichni umělci, potřeboval svá díla prodávat.
Jeho zákazníky byli často Pařížané ze střední a vyšší střední třídy a kupující si nechtěli nechat připomínat životní nerovnosti.
Nechtěli, aby se cítili provinile kvůli sociální realitě svého života a života venkovských vrstev.
Na rozdíl od některých jeho současníků, kteří byli malíři sociálního realismu a chtěli "obžalovat" tím, že na svých obrazech zobrazovali nižší třídy a zdůrazňovali, jak trpí v nespravedlivém ekonomickém systému, Bouguereauovi šlo při zobrazování venkovských dívek především o jejich krásu a jen málo se týkalo nějaké zášti nebo odsouzení třídního systému.
Jeho zobrazení selské třídy bylo často velmi dojemné, i když někdy srdceryvné, ale nikdy nebyli sedláci zobrazováni jako hrozba.
Bouguereauův současník, malíř René Ménard, napsal o Bouguereauově zobrazení venkovanek:
"Rustikálnost není u tohoto malíře ani instinktivním sentimentem a maluje záplatovanou spodničku, kterou přesto naznačuje nádherně čistou postavu: nahé nohy, které dává venkovankám, se zdají být stvořeny spíše pro elegantní boty než pro hrubé dřeváky; jedním slovem, jako by se modelkami pro jeho obrazy staly spíše princezny, které se v pohádkách proměnily v venkovanky mávnutím kouzelného proutku, než obtloustlá děvčata, jejichž kůže je spálená sluncem a jejichž ramena jsou zvyklá na těžká břemena..."
Po smrti své ženy Nelly v roce 1877 žil Bouguereau ve svém domě v Paříži s matkou a dvěma přeživšími dětmi, Henriette a Adolphem-Paulem, a nastoupil na místo profesora na pařížské Julianské akademii.
Jednalo se o liberálnější uměleckou instituci, která umožňovala výuku i ženám.
Jeho studenti si ho vážili, zejména ženy, které ho zbožňovaly.
Umělkyně velmi oceňovaly jeho metodu výuky a dovednost, s níž s nimi pracoval a která vedla k jejich profesionální umělecké kariéře.
Mnohé z jeho studentek byly Američanky a zejména jedna z nich, Elizabeth Jane Gardnerová, propadla jeho kouzlu.
Kromě toho, že byla Bouguereauovou studentkou, se přátelila i s jeho zesnulou manželkou.
Elizabeth byla o dvanáct let mladší než Bouguereau.
Mezi učitelem a žákem se vyvinul vzájemný obdiv, který přerostl v lásku.
Své matce a dceři Henriette řekl, že se hodlá oženit s Gardnerovou.
Jedinou překážkou, který této cestě opravdové lásky bránil, byla Bouguereauova matka.
Byla to velmi věřící osoba, která nikdy nebyla spokojená s tím, jak její syn zobrazoval ve svých klasických dílech tolik nahých postav.
Když se Bouguereau po smrti své ženy zamiloval do jiné ženy, ta se hlasitě postavila proti tomu, aby se Bouguereau a Gardner vzali nebo žili pod jednou střechou s ní a jejími dětmi a tak se jejich dvoření muselo stát diskrétnějším a trvalo téměř dvacet let až do smrti Bouguereauovy matky.
Krátce po její smrti, v roce 1896, se manželé vzali.
Jemu bylo 71 a jí 59 let.
V té době se provdala i jeho dcera Henriette a Bouguereau byl s výběrem manžela spokojen.
V roce 1900 však měla opět nastat tragédie, když náhle zemřel jeho syn Adolphe-Paul, který byl právníkem.
Bylo mu pouhých třicet let.
Bouguereaua to zdrtilo a urychlilo zhoršení jeho zdravotního stavu.
Přesto pokračoval v malování a vystavoval svá díla na Salonu.
Onemocněl srdeční chorobou, se kterou sice tvrdě bojoval, ale zemřel několik měsíců před svými osmdesátými narozeninami v srpnu 1905 ve svém domě v ulici Verdière v La Rochelle, městě, kde se narodil.
Na sklonku života popsal svou lásku ke svému umění:
"Každý den chodím do svého ateliéru plný radosti; večer, když musím kvůli tmě přestat, se sotva dočkám příštího rána, pokud se nemohu věnovat svému drahému malování, jsem nešťastný...".
Bouguereau byl workoholik.
Jednou poslal své první ženě dopis, v němž napsal:
"Když nemohu pracovat, jsem nešťastný..."
A v deníku si zapsal:
Vždy pevně věřil v akademické umění a akademickou výuku.
Nikdy nezakolísal a často byl za tento názor na to, jak má umění vypadat, vysmíván.
La peinture bouguereauté byl posměšný výraz pro francouzské salonní umělce a studenty, kteří malovali špatně!
Za svůj život namaloval osm set dvacet šest obrazů.
Pro mnoho lidí byl Bouguereau jedním z největších klasických malířů své doby a někteří ho dokonce srovnávali s Rafaelem.
Vedle svých obdivovatelů měl však i dost odpůrců, kteří ho kritizovali.
Jednou z takových skupin umělců byli impresionisté, kteří se chtěli zbavit okovů tradičních malířských škol.
Umělci jako Bouguereau pro ně znamenali zpátečnický vliv a bránili jim v cestě k novému uměleckému stylu.
Pro mnoho lidí bylo Bouguereauovo umění příliš zatížené sentimentalitou a příliš romantizující.
Pro některé je však jeho umění plné krásy, soucitu a zbožnosti.
Nechám na vás, abyste se rozhodli, ke kterému názoru se přikloníte....
Pokud se zajímáte o Bouguereaua a jeho dílo, doporučuji vám, abyste si koupili knihu.
Není drahá, ale je to skutečný skvost.
Titul se jmenuje Bouguereau a napsala ho Fronia E. Wissmanová, autorka, která napsala nebo se podílela na řadě knih o francouzských umělcích.
Překlad Q.S.